Monte Carlo Jazz Festival 2022

Du 9 novembre au 4 décembre, Monte Carlo Jazz Festival à Monaco reprend ses habitudes en notes musicales avec une nouvelle édition pleine de surprises. Des concerts de jazz auront lieu à l'Opéra Garnier Monte-Carlo avec  des nouvelles générations de musiciens de l'Académie Rainier III et la projection du film « Let's get lost » de Bruce Weber en hommage à Chet Baker en partenariat avec l'Institut audiovisuel de Monaco.

 Le Monte-Carlo Jazz Festival investira d'autres lieux comme des "before" au Crystal Bar de l'Hôtel Hermitage et des "after" au Blue gin du Monte-Carlo Bay, ainsi que le Bar américain de l'Hôtel de Paris.  

Le Masterclass Jazz par Alex Jaffray, le 12 Novembre

Alex Jaffray animera une masterclass avec un programme: "Pourquoi vous allez enfin aimer le Jazz", Salle Eiffel  Hôtel Hermitage (entrée jardin d'hiver) À 17H

Véritable couteau suisse musical (compositeur, producteur ou chroniqueur musical), Alex Jaffray a notamment composé les bandes originales de longs-métrages de grands noms du cinéma (Claude Lelouch pour n'en citer qu'un), de programmes TV phares (Scènes de ménages, pour n'en citer qu'un), de publicités et d'événements d'envergure ainsi que les identités sonores de marques telles que Renault, EDF, TF1... pour ne pas en citer qu'une. Parce qu'il faut se lever tôt pour parler de musiques de films à la télé, Il anime la chronique musicale de Télématin sur France 2 ainsi que Le Son d'Alex un programme court qui vous ferait regretter de ne pas l'avoir eu comme prof de musique. Ce qui lui offre un lien privilégié et des rencontres rares avec Ennio Morricone, Hans Zimmer, Lenny Kravitz ou Sting... En 2018, il anime sa première conférence Ted X sur le recyclage et le sampling, puis en 2020, une seconde sur le son de la terre. En 2021 il anime une conférence à l'Hôtel de Paris Monte-Carlo en hommage à Joséphine Baker pour son entrée au Panthéon.

Ian Anderson et le groupe Jethro Tull, le 23 Novembre

Ian Anderson et le groupe Jethro Tull, l'un des groupes de Rock Progressif les plus connus au monde, annoncent leur retour sur scène avec leur tournée "The Prog Years Tour". Cette dernière se concentrera principalement sur les albums les plus ‘prog' de Jethro Tull, en particulier les premiers grands classiques Stand Up, Benefit, Aqualung, Thick As A Brick, Passion Play et même quelques extraits du Thick As A Brick 2 de 2012. Dès leur début, le leader de Jethro Tull, Ian Anderson, créé un personnage particulier : un joueur de flûte troubadour, jouant sur une jambe sa musique aux inclinaisons authentiques.

Gonzalo Rubalcaba, MATT BREWER & ERIC HARLAND, le 24 Novembre

Lauréat de plusieurs "Grammy", le pianiste et compositeur Gonzalo Rubalcaba était déjà un jeune phénomène à la carrière naissante dans son Cuba natal lorsqu'il a été découvert par Dizzy Gillespie en 1985. Depuis, il est facilement comparé à des personnalités telles que Glenn Gould, Martha Argerich et Bill Evans. Il a remporté trois Grammys et deux Latin Grammys, qui contribuent à faire de lui une pointure dans le monde du jazz. Né dans une famille de musiciens de La Havane, son père est pianiste, compositeur et chef d'orchestre; son grand-père compositeur et ses deux frères sont également musiciens. Gonzalo, un enfant prodige qui, à l'âge de 6 ans, jouait déjà de la batterie dans l'orchestre de son père (Guillermo Rubalcaba). Il commence sa formation traditionnelle deux ans plus tard, avec le piano comme instrument principal. Il obtient son diplôme à l'Institut des Beaux-Arts de La Havane et, en pleine adolescence, travaille comme batteur et pianiste dans les hôtels, les salles de concert et les clubs de jazz de la capitale. Il commence ensuite des tournées à Cuba, en Europe, en Afrique et même en Asie avec le légendaire Orquesta Aragón. En 1984, il est à la tête de son propre groupe de fusion jazz rock afro-cubain : Grupo Proyecto. En 1986, les rencontres avec Gillespie, Charlie Haden et Bruce Lundvall, alors président de Blue Note Records, permettent de mettre en valeur le talent de Rubalcaba devant le public de jazz aux États-Unis. Sa carrière internationale comprend une série importante d'enregistrements, avec des titres tels que "Discovery - Live at Montreux", "Live at Mt. Fuji, The Blessing", "Rapsodia" et tant d'autres qui lui valent 17 nominations, notamment aux Grammys et aux Latin Grammys.

Richard Bona & Alfredo Rodriguez feat Michael Oliviera, le 24 Novembre

Né en 1967 au Cameroun, le bassiste et chanteur Richard Bona a grandi au sein d'une famille où la musique est reine. Richard Bona se produisit pour la première fois en public à l'âge de 5 ans, dans l'église de son village. Mais l'attrait de la grande ville se fit rapidement ressentir. C'est ainsi qu'il partit vivre à Douala et trouva immédiatement du travail comme musicien. Sa vie prit un tournant en 1980 lorsqu'un français ouvrit un club de jazz dans un des hôtels de la ville et engagea le jeune prodige. A 22 ans, il quitta l'Afrique pour Paris. Installé à New York fin 1995, il reprit contact avec Joe Zawinul, avec lequel il avait joué à Paris et participa à l'enregistrement de son album My People ainsi qu'à la tournée mondiale qui s'ensuivit. De retour à New York, il multiplia les engagements dans tous les clubs du centre-ville. La réputation de cet extraordinaire bassiste à la voix envoûtante se propage. Son style unique, au carrefour d'une foule d'influences (jazz, bossa, pop music, afrobeat, chants traditionnels, funk...) a donné à la musique dite africaine une dimension nouvelle, jusqu'ici encore inexplorée. Après avoir rencontré Quincy Jones au Montreux Jazz Festival en 2006, Alfredo Rodriguez, dont le talent s'inspire autant de Bach et Stravinsky que de ses racines afro-cubaines et jazz, quitte Cuba et sa famille pour s'installer aux États-Unis afin de poursuivre son rêve. Nommés aux Grammy Awards, Richard Bona et Alfredo Rodriguez, ont pris conscience du talent de chacun grâce à leur mentor commun, Quincy Jones. L'album Tocororo (2016) de Rodriguez, est produit par Quincy Jones.

Magma & l'Orchestre Philarmonique de Monte Carlo, le 27 Novembre

Magma, le groupe culte de la scène musicale française. Depuis 1969, Magma s'est imposé avec une musique unique, à la croisée du rock, du jazz et de l'avant-garde. Fondé par le batteur démiurge Christian Vander, Magma se démarque très vite de ses contemporains avec une polyrythmie puissante et une langue inventée, le kobaïen. L'influence de Magma s'étend sur plusieurs décennies et à travers le monde, surprenant aussi bien le public chinois que celui du Hellfest, où il fit d'ailleurs un triomphe en 2016.

Groupes et modes passent, peu restent et durent. Et pour cette soirée, Magma s'unit avec l'Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo pour une rencontre inédite.

Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo - Plus de 160 ans d'histoire

Depuis la saison 2016-2017, Kazuki Yamada est le directeur artistique et musical de l'Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo. En plus de sa saison symphonique à Monaco et des collaborations avec l'Opéra de Monte-Carlo, le Festival du Printemps des Arts de Monte-Carlo et la compagnie des Ballets de Monte Carlo, l'Orchestre est régulièrement invité par les grands festivals français et internationaux : Aix-en-Provence, Paris, Prague, Strasbourg, Montreux, Vienne, Orange, Dresde, Bonn, Leipzig, Ankara, Athènes, Bad Kissingen, Bonn, Dublin, Lisbonne, Lyon, Rheingau, La Roque d'Anthéron. L'OPMC s'ouvre également à divers styles musicaux, à l'occasion de concerts ou de festivals. Il a notamment collaboré avec, entre autres, Marcus Miller, Raul Midon, Roy Hargrove, Leila Hathaway, Avishai Cohen, Stacey Kent, Jamie Cullum, Dame Shirley Bassey, et dernièrement avec IAM, Hugh Coltman, Melody Gardot et André Ceccarelli.

Jazz & Modern Music par l'Académie Rainier III, le 29 Novembre

Ce concert met en scène les talents de l'Académie Rainier III de la Principauté de Monaco. Le programme diversifié ira du Jazz avec ses standards jusqu'à la musique Pop que le Jazz a influencée. La participation de l'Académie Rainier III au festival permet de célébrer des artistes de Monaco. Cela donne aux talents émergents l'opportunité d'acquérir une expérience d'interprétation précieuse dans un écrin aussi prestigieux qu'est l'Opéra Garnier, afin de perpétuer les courants du Jazz en Principauté.

CÉCILE McLORIN SALVANT & SULLIVAN FORTNER, le 30 Novembre

Fille d'une mère française et d'un père haïtien, élevée dans la culture musicale et culturelle de Miami, Cécile McLorin Salvant commence ses études de piano à 5 ans et chante avec le Miami Choral Society à 8 ans. Grâce à la collection de disques impressionnante de ses parents, elle parfait son éducation à travers une grande variété de musiques. Le jazz en fait partie, mais son adolescence se limite à l'étude du classique et du répertoire de Broadway. Elle part à Aix-en-Provence pour y étudier l'opéra et le droit, et l'ironie veut que ce soit en France qu'elle découvre les racines du jazz et de la musique américaine, grâce à son professeur, le saxophoniste de jazz Jean-François Bonnel. Trois ans plus tard, elle remporte le prestigieux prix Thelonious Monk devant un jury composé d'Al Jarreau, Dee Dee Bridgewater, Dianne Reeves, Patti Austin et Kurt Elling ! Depuis 2010, elle ne cesse d'attirer l'attention du public et des critiques, remportant plusieurs prix prestigieux dont 2 Grammy Awards, le prix Django Reinhardt de l'Académie du Jazz...

Sofiane Pamart, le 30 Novembre

Sofiane Pamart fait partie du top 10 des Artistes Musique Classique les plus streamés au monde en 2021. Habitué des scènes prestigieuses, après avoir été propulsé tête d'affiche du Montreux Jazz Festival 2021 et avoir été sold out à l'Olympia, au Trianon, au Musée du Louvre, et à la Salle Pleyel, Sofiane Pamart annonce un concert événement à Monaco. Son univers musical est à mi-chemin entre la grande musique de film et les récits d'aventures. Son œuvre à la fois ténébreuse et poétique, incarne une justesse émotionnelle qui permet de toucher un public très large. Médaillé d'or au Conservatoire National de Lille et pianiste référent du rap français, il collabore avec des artistes tels que Joey Starr, Rilès, Bon Entendeur, ou encore Marina Kaye.

Quelques faits d'armes récents :

- Il est le premier artiste à jouer un concert live streaming sous les aurores boréales de Laponie.

 - Il effectue une tournée internationale dans les clubs de membres privés et premium de Soho House.

- Il prépare un concert unique à l'Opéra de Nice de son propre répertoire interprété avec l'Orchestre Philharmonique et les chœurs de l'Opéra, pour un total de 100 personnes sur scène.

- Il reçoit 4 disques d'or et 2 disques de Platine pour ses collaborations dans le rap.

- Il signe la musique officielle de la publicité du jeu vidéo Assassin's Creed Valhalla, avec une diffusion massive à l'international. Sofiane Pamart a sorti en 2020 son premier album PLANET GOLD, régulièrement présent dans le Top ventes.

HOMMAGE À CHET BAKER LET'S GET LOST DE BRUCE WEBER (1988) PROJECTION EN PARTENARIAT AVEC L'INSTITUT AUDIOVISUEL DE MONACO

Né en 1929 au fin fond de l'Oklahoma où réside toujours une partie de sa famille, Chet Baker fait irruption sur la scène du jazz dans les années cinquante aux coté de Stan Getz puis de Charlie Parker et Gerry Mulligan. L'emprise de la drogue perturbe sa carrière dès 1956 alors que, virtuose inspiré et novateur, il va de succès en succès, reconnu par ses pairs, sollicité même par le cinéma. Outre des archives et des témoignages, le film présente de larges moments d'une séance d'enregistrement de Chet Baker à Los Angeles en 1987 ainsi que les coulisses d'un concert lors du festival de Cannes, un an avant sa mort accidentelle en 1988.

Ce regard subjectif qui est l'essence et la force de Let's Get Lost correspond parfaitement à la duplicité naturelle, au nomadisme intérieur du musicien. Il ne semble pas y avoir d'autre façon de le filmer qu'en gros plan ou en plan rapproché, en alternant la lumière crue du jour californien et le noire et blanc expressionniste, forcé par le tournage « à vif » des scènes nocturnes et noctambules. La scansion, par une magnifique contreplongée sur le visage mal rasé de Chet Baker, les cheveux flottant dans la nuit d'Hollywood, propose enfin une équivalence cinématographique de la musique « intérieure » que le trompettiste insuffle à ses romances. Ni apologie, ni discours documentaire, Let's Get Lost restera comme un lumineux poème expressionniste, au sujet d'un petit cow-boy de l'Oklahoma, d'un petit blanc qui allait en faire baver à Miles et à Dizzy. Jean-François Robic, Contreplongée, supplément de février 1990

Bruce Weber

Né en 1946 à Greensburg, ville agricole et industrielle dont il est originaire, Bruce Weber découvre très jeune les joies du cinéma amateur en famille, avec sa sœur et son père. Après des d'études artistiques au Denison College dans l'Ohio, Weber s'en va étudier la photographie à l'Université de Princeton, puis à la New School de New York. C'est là qu'il organise sa première exposition en 1974. Ses premières photographies de mode sont publiées à la fin des années soixante-dix dans le magazine GQ dont Bruce Weber fait la couverture à de nombreuses reprises. Il devient l'ami des plus grands, Richard Avedon ou Art Kane. Vite reconnu comme un des pionniers de la photographie de mode masculine, il accède à la célébrité grâce aux campagnes de publicité pour Calvin Klein ou Abercrombie & Fitch. Son approche narrative de la photographie devient une signature et le porte tout naturellement vers les rivages du cinéma. Hasard étrange, Weber est amené à réaliser un documentaire sur un jeune boxeur américain qui ressemble à s'y méprendre à Chet Baker (Broken Noses, 1983) avant de s'attaquer à la figure du musicien lui-même, l'une de ses idoles, que les clichés de William Claxton ont immortalisée en « James Dean du jazz » dans les années cinquante. Collage d'images d'archives et d'extraits de films, de témoignages et d'enregistrements Let's Get Lost (1988) essaye de reconstituer la vie ou plutôt les vies et les visages du trompettiste, charismatique et tourmenté, au travers d'un récit volontairement subjectif. Le même parti-pris anime Nice Girls Don't Stay for Breakfast (2018), qui se feuillette comme un recueil de photographies et d'interviews, dédié au culte de l'acteur Robert Mitchum. Par la succession des points de vue, le film donne de l'acteur une pure image fantasmatique. Fixes ou animés, les sujets de Bruce Weber sont des abstractions charnelles, des héros d'une mythologie américaine qui ne cesse de se réinventer. Vincent Vatrican Directeur de l'Institut audiovisuel de Monaco

ANOUAR BRAHEM QUARTET, le 3 Décembre

Depuis près de quarante ans et avec une discographie riche désormais de 11 albums parus chez ECM Records, Anouar Brahem n'aura cessé de remettre en jeu la tradition musicale arabe dont son oud est l'emblème, en la confrontant aussi bien au jazz moderne qu'aux sophistications harmoniques d'autres cultures ancestrales orientales. Aujourd'hui, s'appuyant sur des années d'expériences partagées, il entreprend d'engager dans l'aventure d'un nouveau projet son Quartet créé en 2009 pour l'enregistrement de The Astounding Eyes of Rita, proposant ainsi pour la première fois de revisiter ses propres territoires à travers un répertoire mêlant à quelques compositions habituelles du groupe, des morceaux empruntés à des albums plus anciens (Madar, Thimar, Astrakan Café, Le Voyage de Sahar) et plus récents aussi (Blue Maqams). Ses 11 albums sont tous consacrés par le public et la critique internationale (parmi lesquels Astrakan Café, Thimar, Le Pas du Chat Noir, Blue Maqams etc.), et le succès de ses concerts auprès de figures du Jazz (Jan Garbarek, Dave Holland, Jack DeJohnette et d'autres) confirment sa place d'artiste des plus captivants et inspirants du monde de la musique instrumentale.

RICHARD GALLIANO NEW YORK TANGO TRIO, le 3 Decembre

L'approche jazz du New Tango comme celle du New Musette a toujours été pour moi une évidence. Jazz, Musette, Tango se nourrissent des mêmes ingrédients, rapport à la danse, mélodies fortes, harmonies précises et recherchées. Et la chose la plus importante restant le style (dixit Astor Piazzolla). En présence de Sébastien Giniaux (guitare et violoncelle) et de Diego Imbert (contrebasse), nous aborderons ce répertoire New Tango et New Musette avec une approche jazzistique, en jouant à chaque concert d'une manière totalement libre, parfois éloignée de la partition mais jamais de l'âme du compositeur." Richard Galliano Richard Galliano arrive à Paris en 1975 et rencontre Claude Nougaro dont il deviendra l'ami, l'accordéoniste mais aussi le chef d'orchestre, et ce jusqu'en 1983. La deuxième rencontre déterminante aura lieu en1980, avec le compositeur et bandonéoniste argentin Astor Piazzolla. Astor l'encouragera vivement à créer le « New Musette » français, comme il a lui-même inventé auparavant le « New Tango » en se nourrissant de sa présence new-yorkaise entre 1924 et 1937. Il collabore avec un nombre impressionnant d'artistes et de musiciens prestigieux : Chet Baker, Eddy Louiss, Ron Carter, Wynton Marsalis, Charlie Haden, Gary Burton, Michel Portal, Toots Thielemans, Kurt Elling, pour le jazz, Serge Reggiani, Claude Nougaro, Barbara, Juliette Greco, Georges Moustaki, Charles Aznavour, Serge Gainsbourg, pour la chanson française.

CHILLY GONZALES A VERY CHILLY CHRISTMAS, le 3 Decembre

Connu pour les sons de piano intimes de sa trilogie d'albums à succès Solo Piano, mais aussi pour ses performances déchaînées et ses compositions, Chilly Gonzales, en peignoir et pantoufles, remplit les grands orchestres philharmoniques du monde entier. Il analyse musicologiquement un tube de Billie Eilish ou démontre ses talents de rappeur ; il chante et écrit des chansons avec Jarvis Cocker, Feist et Drake ; remporte un Grammy pour sa participation au meilleur album de l'année de Daft Punk. Vous l'aurez compris, en un mot il est tout simplement surprenant. Chilly Gonzales créé son livre sur les "guilty pleasures", intitulé Enya, salué par la critique lors de sa publication en 2020. Récemment, Gonzo a sorti l'album A Very Chilly Christmas, qu'il présentera à l'Opéra Garnier Monte-Carlo, son tout nouveau spectacle. Au menu, un récital des compositions de sa trilogie Solo Piano et en plat de résistance, une fois bien installés, la scène devient l'atelier de Gonzo où se confrontent nouveaux instruments, nouvelles compositions, nouvelles Master classes et nouveaux arrangements d'anciens classiques.